ANIMACICLO / PROGRAMME DE CINÉMA
Les films sortent dans la rue.
Des études du mouvement au cinéma d’animation et à l’avant-garde abstraite : voici les œuvres qui nourrissent les projections d’Animaciclo.
Extraits et adaptations pour le spectacle itinérant.
LA RECHERCHE
La recherche qui a structuré Animaciclo est née d’une exploration des origines du cinéma et des premières tentatives de donner vie à une image : décomposer un geste, le répéter, le faire tourner, le projeter. Cette recherche a également orienté notre manière d’aborder la technologie : par l’artisanat, en l’approchant avec les mains et en laissant ses mécanismes à la vue de tous. Avec ces principes, nous cherchons à retrouver un peu de l’émerveillement devant l’image en mouvement : regarder à nouveau, voir à nouveau.
Muybridge a décomposé le mouvement en séquences photographiques et nous a permis de voir ce que l’œil distingue à peine : le galop d’un cheval, le vol d’un oiseau, le déplacement d’un corps. Ses études d’Animal Locomotion sont l’une des traces suivies par Animaciclo. En leur redonnant le mouvement et en les portant sur les surfaces de la ville, la démarche de ses animaux déploie à nouveau toute sa majesté.
À la fin du XIXe siècle, Reynaud guettait la vie dans l’interaction entre dessins, miroirs, lumière et mécanismes qu’il actionnait lui-même. Son praxinoscope faisait tourner de petites scènes ; avec le Théâtre Optique, breveté en 1888, ces figures purent sortir du mouvement cyclique et commencer à raconter des histoires. Ses pantomimes lumineuses réunissaient dessins, musique de Gaston Paulin et effets sonores dans un théâtre d’images.
Émile Cohl est arrivé à l’animation avec de nombreux métiers derrière lui : caricaturiste, illustrateur, photographe, auteur de comédies, acteur et illusionniste. Entre 1908 et 1923, il a réalisé près de 300 films, animant des dessins, des allumettes, des papiers découpés, des marionnettes et même des citrouilles. Dans Animaciclo, nous nous reconnaissons dans cet esprit éclectique et irrévérencieux, né de la rencontre de savoir-faire variés.
Méliès venait de la magie et du théâtre, et a porté au cinéma le goût de l’artifice, de la transformation et de l’illusion à vue. C’est un cinéma encore apparenté à la baraque foraine, au music-hall et à la magie, où science et poésie faisaient partie d’une même représentation. Son répertoire de trucages, de surimpressions et de mécanismes scéniques fait de la technique une partie du spectacle.
Avant de se consacrer au cinéma, Jun’ichi Kōuchi était peintre et caricaturiste politique. En 1917, il réalisa Namakura Gatana (Le Sabre émoussé), le plus ancien film d’animation japonais conservé. Avant la généralisation de l’animation sur celluloïd, Kōuchi utilisait des procédés consistant à effacer et redessiner uniquement les parties de l’image qui devaient bouger. Considéré comme perdu pendant des décennies, le film a été retrouvé à partir de copies nitrate redécouvertes et restaurées au XXIe siècle.
Illustrateur et marionnettiste avant de devenir animateur, Tony Sarg a porté au cinéma le principe mécanique de la marionnette. Ses films de silhouettes étaient réalisés avec des figures découpées dont les membres, les yeux et les mâchoires étaient reliés par de petits pivots et déplacés image par image sur une table éclairée par-dessous. Dans The First Circus (1921), réalisé avec Herbert M. Dawley, ce petit théâtre articulé devient cinéma : dinosaures, acrobates et animaux impossibles prennent vie grâce à un mécanisme délibérément simple.
Walter Ruttmann (1887–1941) était peintre et graphiste avant de travailler avec le cinéma. Ses Opus font partie des premières expériences européennes de cinéma abstrait : plutôt que de filmer des acteurs ou des objets, il construit le film image par image, faisant grandir, se déplacer, apparaître et disparaître des formes abstraites dans le temps. Le MoMA inscrit ses Opus II, III et IV dans ce qu’on appelle le « cinéma absolu », qui cherchait à travailler directement avec les éléments fondamentaux du cinéma : la lumière, le photogramme et le temps.
Animatrice indépendante et défenseuse de la culture libre, Nina Paley travaille avec des images issues d’époques et de traditions très diverses. Dans Seder-Masochism (2018), elle anime et transforme des figures archéologiques, des divinités, des animaux et des motifs anciens à l’aide d’outils numériques. L’autrice a ensuite versé le film dans le domaine public, permettant à ses images d’être à nouveau copiées, modifiées et diffusées.
Les chevaux font aussi curieusement écho à certaines des images les plus anciennes que nous connaissons : dans l’art paléolithique, les pattes, les têtes et les queues de certains animaux apparaissent multipliées, comme si une seule figure contenait les phases successives du mouvement. Des milliers d’années avant le cinéma, l’image cherchait déjà des façons de se mettre en mouvement.
LA MUSIQUE
La musique de Chefa Alonso voyage avec nous. Vous pouvez écouter et télécharger l’album De ciento en viento, d’El lado amable, sur Bandcamp.
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